Filmul unic al lui Dziga Vertov, „Aniversarea Revoluției”, a fost lansat online. Acesta nu este doar debutul unui regizor remarcabil și un triumf pentru arhiviști, ci și o oportunitate uimitoare de a vedea istoria atât de aproape cum rareori a putut o cameră de filmat.
Când Dziga Vertov s-a alăturat Comitetului Cinematografic din Moscova, recent organizat de guvernul sovietic, avea doar 22 de ani. După doar șase luni în funcție, începuse deja să editeze numere din știrile de propagandă „Kinonedelya”, iar apoi (la cererea guvernului) a început să editeze filmul aniversar „Aniversarea Revoluției”. La acea vreme, Comitetul Cinematografic era într-un haos total: cameramanii și regizorii își petreceau aproape tot timpul călătorind cu trenuri de propagandă, care traversau țara cuprinsă de războiul civil. Evenimentele bogate și tragice care se desfășurau zilnic impuneau echipelor de știri să realizeze aproape imposibilul, mai ales având în vedere natura grea și imperfectă din punct de vedere tehnic a echipamentelor lor. Nu toate materialele filmate în aceste călătorii au ajuns la Moscova, iar cele care au reușit în mod miraculos, din cauza atribuirii deficitare și a dezorganizării generale a muncii, s-au pierdut printre altele. Prin urmare, revista de film „Kinonedelya” a inclus în principal imagini cu lideri de partid și mitinguri la capitală.
Vertov s-a confruntat cu o sarcină descurajantă, iar pentru cineva care nu lucrase niciodată cu filmul, era absolut imposibil. Trebuia să asambleze, într-un timp scurt, un film gigantic dintr-o grămadă vastă de materiale filmate, împrăștiate la întâmplare, care nu numai să descrie evenimentele istorice ale revoluției, dar să prezinte și avantajele noului regim sovietic.
Iată cum și-a descris Vertov însuși primele luni de lucru pentru Comitetul de Film: „Nu există un departament de informații. Nu există editori speciali, regizori, naratori sau scriitori de texte. Editare, editare, texte, reportaje, toată munca de informare și organizare, asamblarea copiilor duplicate și chiar postere speciale cu programul pentru următorul număr - toate acestea sunt în continuare responsabilitatea autorului-regizor.” În aceste condiții, cu ajutorul a aproximativ treizeci de redactoare din comitet, Vertov a pus la punct „Aniversarea Revoluției”.
Este important de menționat că știrile „Kinonedelya” nu au fost nimic inovator. Fiecare număr conținea o scurtă prezentare a evenimentelor, o serie de povești slab legate între ele. Știrile prerevoluționare funcționau pe același principiu. Prin urmare, ideea din spatele „Aniversarea Revoluției” era destul de ambițioasă conform standardelor sale - evenimentele se desfășoară secvențial și sunt unite de o singură temă. De fapt, a devenit primul film de montaj de lung metraj din istorie.
În ciuda efortului titanic depus pentru realizarea filmului, lui Vertov i-a displăcut ulterior să-și amintească de acesta, numind cu dispreț experiența realizării filmului „Aniversare” un „examen de producție promovat cu succes”. Desigur, filmul seamănă puțin cu lucrările ulterioare ale regizorului, în special cu capodopera sa „Omul cu o cameră de filmat”. În ceea ce privește forma și conținutul, pentru spectatorii moderni, „Aniversarea Revoluției” este imposibil de distins de știrile vremii. Cu toate acestea, filmul prezintă deja tehnicile și motivele care aveau să-l facă în curând celebru pe Vertov.
Prima impresie despre „Aniversarea Revoluției” este că nu este vorba de „Octombrie”-ul lui Eisenstein. Evenimentele se desfășoară lejer, fără acțiuni militare directe, fără capturarea Palatului de Iarnă și fără alte evenimente majore din 1917. Cameramanii credeau că cel mai important lucru de surprins despre Revoluție erau portretele deputaților Guvernului Provizoriu și ale bolșevicilor. Oficialii petrec cu sârguință momente prețioase stând în fața camerei, apoi se grăbesc spre următoarea lor întâlnire cu teancuri de hârtii sub braț. Majoritatea numelor lor vor însemna probabil puțin pentru un telespectator modern al „Aniversarii Revoluției”, dar figuri semnificative precum Kerenski, Troțki, Sverdlov și Lenin fac și ele apariții scurte. Cameramanii s-au străduit să surprindă fiecare figură guvernamentală semnificativă: cine știe, unele dintre ele ar putea ajunge în cărțile de istorie. Dar nu le poți nega simțul umorului și ironia; au fotografiat mai mulți deputați în fața unui perete pe care era scrisă o înjurătură cu cretă albă.
Mulțimi de protestatari se adună spontan pe străzile vechi ale Moscovei, privind în jur cu uimire. Fețele lor exprimă o confuzie absolută despre ce se întâmplă și ce va urma. Poate că așa arată istoria cu adevărat. Este fascinant să urmărești reacțiile pe care camera le provoacă trecătorilor: unii zâmbesc timid, alții se holbează uluiți la obiectiv, iar alții nici măcar nu observă că au fost surprinși pe film. Poate cea mai extraordinară „rupere a celui de-al patrulea perete” are loc în timpul unei conversații plăcute între Lenin și Bonch-Bruyevich lângă tunul țarului din Kremlin. Un trecător întâmplător, surprins în cadru, încetinește și se încruntă, uitându-se mai întâi la liderul revoluției, apoi la obiectiv. Pare un extraterestru din alte vremuri.
Dacă legăm toate aceste evenimente între ele, putem vedea cât de abil a gestionat Vertov sarcina propagandei. Metoda de contrastare a „vechiului” cu „noul”, pe care o va perfecționa ulterior în filmele sale din anii 1920, era deja evidentă în „Aniversarea Revoluției”. Acest lucru este clar evident în finalul filmului, când apar pe ecran urmările Războiului Civil: cadavre carbonizate, ruine, sărăcie și foamete. Vertov clarifică cu abilitate faptul că regimul țarist și susținătorii săi ticăloși sunt de vină pentru tot, împiedicând construirea unui viitor drept și frumos pentru toți. După aceste scene triste, regizorul trece la descrierea vieții strălucitoare a sistemului sovietic aflat la început de drum: un club comunist unde copii și adulți învață să citească și să scrie cu binecuvântarea tovarășului Troțki, femei zâmbitoare semănând câmpurile pentru a hrăni țara. După haosul spontan al revoluțiilor și războaielor, peisajele idilice ale „lumii noi” arată cu adevărat ca un „final fericit”.
Totuși, toată tendențiozitatea și retorica de poster din „Aniversarea Revoluției” evocă acum doar tandrețe. Important este altceva. Această instantanee a istoriei permite în mod miraculos să simțim, cel puțin indirect, un sentiment de conexiune cu evenimentele din secolul trecut care au schimbat lumea. Filmul transmite foarte precis ce este Revoluția: înmormântări nesfârșite și statul în frig.
Fiul regretatului solist al trupei Kino, Viktor Tsoi, Alexander, a depus o cerere de înregistrare a mărcii Kino la Serviciul Federal pentru Proprietatea Intelectuală (Rospatent), agenția din Moscova.
O cerere sub codul de clasificare nr. 41 permite utilizarea mărcii în publicarea de cărți, denumirea de cluburi, producția de muzică și film și alte servicii creative.
Alexander Tsoi, muzician rock și designer, și-a lansat proiectul solo „Ronin” în 2017.
Continuăm seria noastră „Proiecție dublă”, în care redactorul-șef Alexey Filippov de la Kino-Teatr.Ru împerechează și compară două filme din același an - unul autohton și unul străin. Numerele anterioare au acoperit anii 1988, 1996 și 2005. „Proiecția” nu este doar o recomandare; este, de asemenea, o încercare de a descoperi paralele interesante între cultura rusă și cea globală la un moment dat - o alternativă binevenită la juxtapunerea constantă a „al nostru” și a „străinului”. Al patrulea număr prezintă „Juno” de Jason Reitman, lansat în 2007, și „Sirena” de Anna Melikyan, care a lansat recent un nou film, „Zâna”.
Povestea a două adolescente – Juno (Ellen Page) și Alice (Maria Shalaeva) – este la fel de diferită ca focul și gheața. Juno, în vârstă de 16 ani, locuiește în Minnesota, lângă granița cu Canada, și rămâne brusc însărcinată după ce a făcut sex cu un coleg de clasă timid, Paulie (Michael Cera). Ea discută problema cu o prietenă, ia în considerare un avort, dar se răzgândește după ce vede mizeria și clienții de la clinica locală, apoi decide să devină mamă surogat pentru niște oameni drăguți (Jennifer Garner și Jason Bateman). De altfel, tatăl ei militar (J.K. Simmons) și-a numit fiica după zeița Juno (sau Juno), singura soție a zeului amoros Jupiter.
Numele neobișnuit al Alisei nu este niciodată explicat în „Sirena”, deși motivele de basm sunt clare. Vocea Shalaevei explică faptul că a fost concepută pe mare. Povestea ei începe într-un oraș de coastă, iar pe măsură ce se apropie de vârsta adultă, se mută la Moscova, atrăgătoare de panouri publicitare și oportunități. La 18 ani, Alisa lucrează printr-o serie de locuri de muncă fără sens, obținând un post de director de publicitate, îmbrăcată ca un receptor de telefon. Își vopsește părul în verde și se îndrăgostește de ticălosul Sasha (Yevgeny Tsyganov), pe care îl vede sărind în râul Moscova cu o sticlă de whisky. În timpul zilei, el vinde pământ pe Lună - pentru că poate. Alisa susține că poate face magie: unele dintre dorințele ei se îndeplinesc în cele mai crude moduri (de exemplu, pentru a fi admisă la universitate, soarta se ocupă de un alt candidat).
Cu forța unei erupții vulcanice, „Juno” l-a transformat pe scenaristul debutant Diablo Cody într-o vedetă. Viața de zi cu zi a unei stripteuze și blogul ei ascuțit s-au dovedit a fi un instrument puternic pentru povestiri. „Rusalka”, al doilea lungmetraj al Annei Melikyan, a transformat-o într-o altă speranță pentru cinematografia rusă (un premiu FIPRESCI la Berlinală, deși în programul Panorama, este un semn încurajator). Ar părea dificil să găsești două filme adolescentine mai diferite în 2007 - estetica, intriga și structura lor narativă ar putea ilustra o glumă din Războiul Rece: dacă Hollywood-ul favorizează realismul indie, atunci vom pleca târându-ne.
Experiența lui Melikyan include televiziune și reclame, iar acest lucru pare să-i fi modelat parțial atât stilul vizual - eclectic, aparent difuzat pe mai multe canale simultan - cât și tonul - un contrapunct la ariditatea știrilor și bravada reclamelor, al cărei scop principal este de a vinde o viață mai bună decât de obicei. Jason Reitman a lucrat anterior și în televiziune, dar la cablu american - în special, a regizat mai multe episoade din serialul cult „The Office” (2005-2013), în care o cameră de filmat simulată examina viața interioară și disconfortul social al angajaților unui comerciant de papetărie.
Rafinamentul suprem al filmului „Juno” constă în titlurile animate și în gagurile vizuale. „Sirena” combină toate varietățile basmului: motivele lui Andersen, romantismul cinematografic al filmului „Amélie”, minciuna standard a părinților despre un tată marinar, șoaptele înșelător de motivatoare ale panourilor publicitare și chiar plaja limbo alimentată de droguri, unde coexistă visele și iluziile personajului principal.
Este grăitor faptul că ambele filme relatează meticulos trecerea timpului. În „Sirena”, fiecare capitol marchează vârsta lui Alice cu precizie - până la o zi - în timp ce în „Juno”, anotimpurile se schimbă, amintindu-ne că eroina este din ce în ce mai însărcinată. Dar, în timp ce pentru „Sirena”, această cronologie detaliată devine o numărătoare inversă până la moarte, eleva din Minnesota, împreună cu fătul ei, poartă o deziluzie tot mai mare față de umanitate. Punctele lor de plecare, apropo, sunt, de asemenea, similare: Alice a crescut fără tată (marinarul implicat în concepția ei a scăpat), în timp ce Juno a crescut cu o mamă vitregă, mama ei abandonând-o la vârsta de trei ani.
Apoi începe mașina diferențelor: purtătorii acestor nume simbolice trăiesc nu doar în țări diferite și epoci parțial adiacente (Rusalka începe în anii 1990), ci în paradigme paralele. În ciuda calității documentare a străzilor din Moscova și a includerii unor evenimente reale (un pogrom comis de fanii fotbalului ruși), filmul lui Melikyan este mai degrabă o fantasmagorie, un basm din basme, unde intrigi în stil Andersen, analogii cu eroina lui Lewis Carroll, isprava lui Gagarin și panouri publicitare în formă de sirenă, impregnate de putere mitică, spun povestea sacrificiului de sine irațional (și destul de lipsit de sens) de dragul fericirii al unui om care dezvoltă simpatie pentru eroină atunci când este prea târziu. Cu toate acestea, această intrigă stresantă servește drept o mustrare dură la adresa realității existente, cu indiferența, cinismul și pragmatismul ei, care a cuprins Rusia la începutul secolului. Într-o lume a câștigului victorios, toată speranța se află într-un basm întunecat, dar al zânelor – un ecou al visului de a cuceri spațiul, care a degenerat în schimbul de parcele de pământ pe Lună (unde Gagarin nu a ajuns niciodată).
Juno, pe de altă parte, se adaptează la realitate fără a se aventura în miturile și legendele culturii masculine americane. Ea crește, distanțându-se de visele despre familii ideale, experimentează aspectele ascunse ale „miracolului” nașterii copiilor și îi vede pe adulți nu doar în roluri de profesori, ci și ca fiind pierduți. Alături de sarcina adolescentină, o altă narațiune se desfășoară în fundal - moartea căsniciei americane „perfecte”, care din exterior pare mai cinematografică decât este în realitate.
Lumea înconjurătoare este extrem de figurativă: teste de sarcină, un telefon mobil cu burger, cutii de suc de portocale, Tic-Tac-uri cu portocale, DVD-uri horror Herschell Gordon Lewis, chitare, scutece, gel pentru ultrasunete. Și prezervative. De altfel, acestea apar în ambele filme: în cel al lui Melikyan, cu o imagine caracteristic pornografică, și în cel al lui Reitman-Cody, cu un parfum fructat.
Poate că diferența dintre imagine și miros subliniază abordările distincte ale romanelor Sirena și Juno: Alice tinde spre o realitate perfectă de carte poștală (limboul ei halucinogen seamănă cu aceasta), în timp ce Juno respiră aerul maturității, simte notele ascuțite ale realității și se pregătește să-și ocupe locul în ea. Alegerea unor căi atât de diferite este, desigur, extrem de curioasă: se pare că trauma din 11 septembrie a avut un impact mai mic asupra fricii de realitate decât prăbușirea URSS și miticii ani 1990. Cu toate acestea, viața este grea pentru toată lumea.
Aceasta este o evaluare preliminară a Ministerului Culturii și a actorilor de pe piață.
Industriile rusești de film și producție de conținut vor pierde peste o treime din venituri în acest an din cauza pandemiei de coronavirus, conform estimărilor preliminare ale Ministerului Culturii și ale actorilor de pe piață. Anul acesta, cinematografele și companiile care produc seriale TV și filme ar putea câștiga aproximativ 100 de miliarde de ruble. Estimările sunt prezentate într-un raport al ministerului, revizuit de Vedomosti. Cifrele au fost confirmate pentru Vedomosti de Serghei Selyanov, președintele consiliului de administrație al Asociației Producătorilor de Film și Televiziune (APKIT), șeful unei companii de distribuție și o sursă din cadrul Ministerului Culturii. Acestea sunt estimări preliminare, subliniază sursele Vedomosti, și mult depinde de momentul în care se va termina pandemia. Vedomosti a trimis o solicitare Ministerului Culturii.
Cinematografele se confruntă cu cele mai mari pierderi - acestea ar putea pierde 40% din încasările de la box office, potrivit unui raport al Ministerului Culturii. Mai mult, impactul asupra filmelor rusești va fi mai mare decât asupra celor străine, filmele autohtone putând pierde până la 60% din încasările de la box office. Previziunile de box office pentru filmele rusești în special ar putea fi excesiv de negative, potrivit uneia dintre sursele Vedomosti.
În 2019, locuitorii ruși au cheltuit 55 de miliarde de ruble pe bilete la film, potrivit Fondului Cinematografic de stat.
Directorii de top din domeniul media nu sunt siguri când se vor redeschide cinematografele, invocând date cuprinse între iunie și sfârșitul toamnei. De asemenea, dezbat cât de repede se va întoarce publicul în cinematografele care sunt deja deschise.
Anterior, Oleg Berezina, președintele Asociației Proprietarilor de Cinematografe, a prezis, de asemenea, că încasările din box office-ul cinematografelor vor scădea cu 25 de miliarde de ruble. Sociologul Oleg Ivanov are o viziune mai negativă asupra situației, prevăzând că un număr semnificativ de cinematografe din Rusia se vor închide, iar încasările totale din box office vor scădea la jumătate. Ivanov este încrezător că situația se va schimba pentru totdeauna: era blockbusterelor rusești scumpe s-a încheiat.
Cât va pierde industria cinematografică din cauza epidemiei de coronavirus?
Din cauza încasărilor mai mici din box office și, în consecință, a veniturilor mai mici ale producătorilor, investițiile acestora în producția de filme vor scădea cu aproape o treime, până la 12 miliarde de ruble, estimează Ministerul Culturii, în timp ce investițiile în producția de seriale TV vor scădea cu 20%, până la 11 miliarde de ruble, din cauza unei contracții a pieței publicitare.
Serviciile video se descurcă cel mai bine, conform calculelor ministerului. Serviciile de televiziune cu plată și video vor pierde doar aproximativ 5% din veniturile lor estimate. Acest lucru se datorează scăderii puterii de cumpărare a gospodăriilor. În prezent, serviciile video generează majoritatea veniturilor din abonamente. Potrivit TMT Consulting, piața rusă a serviciilor video a crescut cu 50% în 2019, ajungând la 17,1 miliarde de ruble.
Cinematografia rusă a anilor 1990, chiar și în formele sale cele mai distractive, a lovit adesea spectatorul în stomac cu toată puterea. În apărarea sa, dacă ar fi putut vorbi, ar fi citat o frază comună din „Boomer”-ul lui Buslov. „Nu suntem noi, e viața”. Ei bine, v-ați făcut o idee - această brutalitate a fost dictată de legile vremii și ale societății. E greu să rămâi alb pur când o furtună de mizerii face ravagii în jurul tău.
Și ar fi o prostie să ne așteptăm la manifestări de umanitate sau bunătate dintr-o comedie despre serviciul militar, filmată la sfârșitul unui deceniu turbulent. Aluzii directe la hărțuirea în armată (sau, mai simplu spus, la hărțuire) apăruseră deja în vremurile aparent prospere ale stagnării târzii („Greșelile tinereții” de Boris Frumin, filmat în 1978). Ce putem spune despre anii 1990? Majoritatea telespectatorilor de sex masculin fie serviseră deja și purtau în tăcere stigmatul în ei, fie se cutremurau la amintirea modului în care cadrele didactice îi amenințau că îi vor trimite în războiul din Cecenia dacă ar arăta o atitudine neglijentă față de studiile lor.
Totuși, nefericitele aventuri ale noilor recruți Bullet, Bayonet și Bomba din unitatea de rachete s-au desfășurat surprinzător de pașnic și inofensiv pe ecran. Este dificil de înțeles acum ce anume a provocat obiecțiile filmului lui Alexei Uchitel și Lidiya Maslova - aceasta din urmă chiar i-a negat filmului „DMB” orice merit cinematografic. Filmul, care utilizează cu abilitate actori amatori debutanți și un buget mic, pune accentul pe valorile umane universale mai presus de orice. Prin nivelul său de umanism și profunzimea factorului uman, supraviețuind chiar și în timp ce mărșăluiește pe terenul de paradă în uniformă, „DMB” urmează îndeaproape pașii filmului „Bunul soldat Șveik” și ai altor reflecții fundamentale despre cum să-ți păstrezi identitatea în fața uniformității sumbre a serviciului militar. Și este grăitor cum sunt executate scenele de violență și autovătămare, obligatorii pentru adunarea în masă a bărbaților în spațiul restrâns al cazărmii - ca niște serii scurte de fotografii Polaroid, care trec cât mai repede și fără durere posibil. Dar imediat după aceea vine o răcoare lungă și blândă în infirmeria luminoasă și curată, plină de reflecții și perspective.
Umorul filmului, care a devenit subiect de citate și meme-uri pe internet, este foarte diferit de ceea ce era ridicol în Rusia la acea vreme. Ivan Okhlobystin și Roman Kachanov, care au scris scenariul, și-au stârnit râsul dintr-o sursă unică transcendenței rusești - intoxicație severă cu băuturi alcoolice și substanțe psihoactive de calitate inferioară. Ingredientele sunt ușor de găsit: lichior de lună de culoarea cireșei, haloperidol, cârnați afumați, brânză Volna și limonadă Kolokolchik. Această eternitate albastră a făcut ca „DMB” să amintească de comedia la fel de emblematică a lui Rogozhkin „Particularitățile vânătorii naționale” și a permis filmului să ocupe o poziție confortabilă între zenul oriental și umorul scandinav dur, intercalat cu glume în stilul lui Pelevin.
Starea de consum excesiv de alcool servește drept lubrifiant existențial, ajutând personajele să accepte absurditatea fără speranță a situației și să reconsidere numeroasele mituri propagandistice perpetuate în jurul serviciului militar. Natura statică a aproape tuturor scenelor din film este un dispozitiv care permite personajelor să își conservă energia și le protejează de greșeli fatale. Orice acțiune pare absurdă, pripită și amenință cu daune ireparabile. Aceste cadre statice aveau să formeze ulterior baza multor sitcom-uri locale. Dar în „DMB” a fost surprins principiul fundamental al unui umor corporal unic: orice mișcare sau gest este vicios și dăunător. Inacțiunea și inerția, pe de altă parte, sunt o binecuvântare, o iluminare și o încercare serioasă pentru triumful final.
Această abilitate poetică de a găsi frumusețea în cele mai joase numitori i-a transformat pe studenții urbani și pe outsiderii stângaci în adevărați boemi și adepți ai decadenței. Ei comunică între ei și cu personajele din jurul lor într-un stil voit elevat. Iar coloana sonoră a aventurilor lor nu este formată din hituri folclorice rusești, ci din compozițiile pretențioase ale unor outsideri moscoviți neînțeleși, prea sofisticați pentru a aspira serios la popularitate - DK, Time Out și Tupye. Această victimizare postulată unește și adună aceste persoane aparent diferite într-un singur grup. Toți sunt victime ale science fiction-ului, toți conștienți de statutul lor unic și tragic și încercând să se întindă cu demnitate maximă într-o groapă comună. Gunoiul și mizeria filmelor din „DMB” devin îngrășământ pentru creșterea unor flori frumoase și exotice. Prin urmare, filmul a avut un efect complet neașteptat și contraproductiv - a ridicat statutul armatei în societate și a crescut numărul recruților.
Starea de consum excesiv de alcool servește drept lubrifiant existențial, ajutând personajele să accepte absurditatea fără speranță a situației și să reconsidere numeroasele mituri propagandistice perpetuate în jurul serviciului militar. Natura statică a aproape tuturor scenelor din film este un dispozitiv care permite personajelor să își conservă energia și le protejează de greșeli fatale. Orice acțiune pare absurdă, pripită și amenință cu daune ireparabile. Aceste cadre statice aveau să formeze ulterior baza multor sitcom-uri locale. Dar în „DMB” a fost surprins principiul fundamental al unui umor corporal unic: orice mișcare sau gest este vicios și dăunător. Inacțiunea și inerția, pe de altă parte, sunt o binecuvântare, o iluminare și o încercare serioasă pentru triumful final.
Această abilitate poetică de a găsi frumusețea în cele mai joase numitori i-a transformat pe studenții urbani și pe outsiderii stângaci în adevărați boemi și adepți ai decadenței. Ei comunică între ei și cu personajele din jurul lor într-un stil voit elevat. Iar coloana sonoră a aventurilor lor nu este formată din hituri folclorice rusești, ci din compozițiile pretențioase ale unor outsideri moscoviți neînțeleși, prea sofisticați pentru a aspira serios la popularitate - DK, Time Out și Tupye. Această victimizare postulată unește și adună aceste persoane aparent diferite într-un singur grup. Toți sunt victime ale science fiction-ului, toți conștienți de statutul lor unic și tragic și încercând să se întindă cu demnitate maximă într-o groapă comună. Gunoiul și mizeria filmelor din „DMB” devin îngrășământ pentru creșterea unor flori frumoase și exotice. Prin urmare, filmul a avut un efect complet neașteptat și contraproductiv - a ridicat statutul armatei în societate și a crescut numărul recruților.
Când vorbim despre „DMB”, este imposibil să ignorăm faptul că regizorul Roman Kachanov este fiul animatorului care a creat una dintre cele mai calde și sacre imagini ale copilăriei, Ceburașka. Și nu este o coincidență că această imagine reapare în film - într-o formă zdrențuită, tristă. Gigantica și lipsită de prieteni, Ceburașka, este un animal totem, care le apare eroilor în momente de îndoială gravă sau la răscruci. La fel ca pinguinul din „Fight Club”, el protejează tinerele spirite (spirit aici nu este doar porecla dată noilor recruți, ci și toate celelalte definiții din dicționar, inclusiv cele supranaturale). La urma urmei, armata este un ultim rămas bun de la o copilărie atât de apropiată și memorabilă, de la un mod de viață sub aripa părintească, de la vise și aspirații naive.
Momentul în care toate acestea sunt înlocuite de cizme de prelată și eșarfe pentru picioare este, fără îndoială, sfâșietor. Dar este netezit și dus mai departe cu pierderi minime de către un personaj fantastic din ficțiunea pentru copii, deja impregnat cu calitățile unei zeități păgâne. Îți mângâie ușor capul ras. Îți va înmuia și va șterge din memorie o lovitură crudă în stomac. În momentele potrivite, îi locuiește pe toți cei superiori ca rang și vârstă, transmițând prin intermediul lor truisme liniștitoare. Este chiar gata să se transforme odată cu tine în timpul lungii tale cariere militare și după aceea, luând forme mai în concordanță cu Zeitgeist - de exemplu, devenind un pitic cu zâmbetul și urechile rupte, ca în cântecul Krovostok cu același nume. Și va sugera ce va rămâne cu tine chiar și după demobilizarea finală sau eliberarea în rezervă, aducând unei persoane eliberarea la sfârșitul călătoriei sale de viață. În esență, întreaga noastră viață este un serviciu militar obligatoriu, care tinde să se termine exact atunci când ne-am obișnuit mai mult sau mai puțin cu el. Fie că vrei sau nu, principalul lucru este să zâmbești.
De la moartea lui Stanley Kubrick, în 1999, au existat referințe ocazionale la un „nou Kubrick”. Chiar și David Lynch și Terrence Malick au apărut pe lista de onoare, pe vremea când erau deja Lynch și Malick; Wes Anderson și Alfonso Cuarón au apărut și ei; iar Tom Ford este adăugat brusc pe Reddit. Lista poate continua, deși unii sunt menționați mai des decât alții în această competiție.
Titlul pare absurd la prima vedere: cine este acest „nou Kubrick”? Un epigon, un înlocuitor dubios al lui Kubrick, care inventează un film din temele și codurile vizuale ale geniului regretatului? Un alt pustnic și perfecționist ale cărui filme sunt imposibil de ignorat? (Deși, după cum știm, orice poate fi ignorat.) Regizorul principal al momentului? Și cum poate fi măsurat acest lucru? După aprecieri, premii Oscar, box office? Cine, în mințile lui, ar fi de acord să fie „noul Kubrick” când poate fi el însuși? În cele din urmă, înseamnă asta că Kubrick este apogeul gândirii regizorale, inaccesibil? Dar ce se întâmplă cu alți regizori, să zicem, respectați? Poate fi comparat Kubrick cu Tarkovsky? Cu Bergman? Cu Griffith? Cu Eisenstein? Și cel mai important – de ce?
Totuși, există o anumită logică vagă în această căutare a Sfântului Graal, în anumite privințe chiar rezonantă cu cinematografia lui Kubrick. Este o încercare de a descrie și chiar de a cataloga ceea ce poate fi doar simțit, chiar simțit. Revelațiile pe care „Strălucirea” le-a inspirat spectatorilor pot fi văzute în documentarul „Camera 237” (2012). Nu este o coincidență faptul că, dintre toți regizorii lumii de-a lungul istoriei, britanicul retras cu „2000: O Odisee Spațială” a devenit semnul distinctiv al unui anumit talent, invocat de jumătate din timp atunci când se discută despre „noul Kubrick” (puțini au fost incluși în acest grup datorită filmelor lor de război). Oricât de perfecționist și meticulos (sic!) ar fi, punctul de plecare al conversației este puterea influenței, strălucirea unică a unor filme enigmatice și hipnotizante, unde un os uzat, acompaniat de „Așa a vorbit Zarathustra”, se transformă într-o navă spațială, unde fie picturile prind viață, devenind britanici ai secolului al XVIII-lea, fie, dimpotrivă, englezii și irlandezii acelor vremuri îngheață în timp ca niște tencuieli pitorești, unde Beethoven se dovedește a fi nucleul violenței izvorâte din deznădejde, iar ochiul drept, zbârlit de gene pictate, se întipărește pe retina privitorului ca un sinonim etern pentru pericol, unde, în sfârșit, oamenii își pun măști de carnaval pentru a le smulge pe cele sociale.
Kubrick este un vizionar, un monolit negru, în sensul că a spus tot ce trebuie să știm, chiar dacă nu asta a vrut să spună. Viața și cariera sa sunt celebre, dar și enigmatice, precum hagiografia unui profet sau a unui guru - și de aceea își caută cu atâta disperare un moștenitor: învățăturile nu pot fi încălcate și nu putem trăi fără cosmos. Fără mister și mai ales fără ideea că cineva poate rezolva măcar parțial acest puzzle metafizic. Majoritatea „urmașilor” săi se străduiesc cu adevărat să depășească limitele - nu doar să spună o poveste, nu doar să arate ce înseamnă să fii om (sau chiar să nu fii om), nici măcar să intoxice privitorul cu imagini care pot deveni o sticlă întunecată prin care privim viața.
Această idolatrie este ușor comică și chiar puțin lipsită de respect față de Kubrick, care a dărâmat monumente de pe piedestaluri, amintindu-ne în mod regulat de scara omului în raport cu societatea, istoria și cosmosul. Și totuși, este un exercițiu interesant: găsirea unui „nou Kubrick” și „explicarea micimii sale”. Pare să spună ceva despre căutarea esențială a societății, nu despre ambițiile „falșilor profeți”.
Christopher Nolan
Puzzle-urile englezului Nolan sunt adesea comparate cu opera lui Kubrick, mai ales prin observația caustică că acesta, cu siguranță, nu se ridică la înălțimea așteptărilor. Dincolo de inginerie, cosmosul nu pare niciodată să se întrevadă, iar sub megalomanie, nu există simțul umorului - nici în ultimul rând trăsăturile vizionare ale lui Kubrick. Cea mai critică critică se îndreaptă către Interstellar (2013), un omagiu evident adus filmului 2008: Odisee spațială, creat sub supravegherea unor experți în găuri negre, care pare să se reducă la puterea iubirii, cu atât mai puternică cu cât Hans Zimmer trudește în culise. Este ironic faptul că Nolan a realizat trilogia Batman, pătrunzând în cinematografia mainstream, în timp ce Kubrick nu a reușit să-și realizeze ambiția de a adapta Stăpânul Inelelor (un alt bărbat cu barbă, Peter Jackson, a reușit).
Primitivitatea sensului este adesea problema spectatorului (vom vedea ce vor descoperi în moștenirea lui Nolan peste o jumătate de secol), dar diferența fundamentală a lui Nolan pare să se afle în altă parte. El gândește în termeni conceptuali, este precaut cu privire la faptul că spectatorul nu înțelege ceva (de aceea personajele sale adoră să-și explice cu răbdare concepte complexe unul altuia), iar construcțiile sale complicate culminează cu o întrebare fundamentală, nu cu o experiență uluitoare. În acest sens, „noul Nolan” (ha ha), canadianul Denis Villeneuve, se apropie și mai mult de Kubrick, modificând percepția realității în Arrival (2016) și, într-o oarecare măsură, Enemy (2013). El plasează spectatorul în pragul necunoscutului. Nolan, pe de altă parte, este mai interesat de jocurile mentale: este viața un vis, sunt personalitatea și memoria sinonime, poate iubirea să învingă gravitația și lăcustele? Cine știe, cine știe.
Paul Thomas Anderson
Ar merita să începem cu Asociația Părinților și Profesorilor (PTA), dar judecând după titluri, Nolan este primul la rând. Anderson, mai ales dacă este moștenitorul lui Kubrick, este îndrăgostit de formația mare: genul de cinema grandios pe care l-a creat, în toate sensurile, este ceva ce puțini își pot permite astăzi - cu excepția cazului în care este un blockbuster cu supereroi. Anderson, pe de altă parte, este un adept al marelui roman american și al la fel de marelui cinema de la Hollywood, creând o întreagă mini-galerie a istoriei americane în 20 de ani - de la zorii producției de petrol în anii 1920 până la declinul psihotrop postbelic din anii 1950 și 1960. Anderson rareori hipnotizează privitorul - deși „There Will Be Blood”, „The Master” și „Inherent Vice” conțin toate partea lor de scene spectaculoase, tulburătoare. Structurile sale stau adesea ferm pe pământ, impresionând nu ca spații deschise și priveliști vaste, ci ca edificii monumentale - ceva înșelător de clar și observabil. În ciuda faptului că filmul său „There Will Be Blood” conține un citat din „Odiseea” (Daniel Day-Lewis lovește o popică așa cum o maimuță lovește un os), PTA pare mai apropiată de „Strălucirea”, cu înșelăciunea sa arhitecturală, arheologia conspirativă a istoriei lumii și faimoasa „povară a omului alb”. În filmul destul de ironic „Phantom Thread”, despre un creator de modă londonez din anii 1950, Anderson pare să rezolve problema ierarhiilor și a valorilor culturale, promițând să atingă un nou nivel - oricare ar fi acesta.
David Fincher
Un alt participant de lungă durată la „cursă” este regizorul filmelor „Fight Club” și „Seven”, „Gone Girl” și „Mindhunter”. Afinitatea lui Fincher cu Kubrick nu este deloc evidentă, în ciuda juxtapunerii simbolice dintre „Fight Club” și „Eyes Wide Shut” - filme de referință pentru ambii regizori. Este imposibil să nu remarcăm că singurul contact vizibil al regizorului cu spațiul (un concept important în multe privințe atunci când este aplicat cinematografiei lui Kubrick) s-a încheiat dezastruos: el nici măcar nu recunoaște „Alien 3” ca fiind propriul său film. Cu toate acestea, filmele lui Fincher explorează și alte vaste întinderi - condensările sufletelor umane, găurile de vierme ale stărilor psihologice și universurile orașelor americane (și ale altora) - ceea ce îl apropie de Lynch (deși s-a concentrat pe suburbii). Și mai important este perfecționismul caracteristic, care a devenit caracteristica distinctivă a lui David Fincher de ani de zile: pare să știe exact nuanța potrivită de galben, lungimea potrivită a cadrului și unghiul potrivit pentru a atrage privitorul, dacă nu într-o gaură neagră, atunci în agitație sau într-un atac de panică.
Richard Kelly
Coșmarurile sumbre și ironice ale lui Kelly ar putea fi mai ușor de comparat cu filmele lui David Lynch (în special debutul său, Donnie Darko), dar în Southern Tales (2006), el transcende visele suburbane și locuitorii lor la nivel național, inventând un testament cu adevărat nou - complet cu vedete porno politizate și ecouri ale anilor '70, un profet al vedetelor de cinema, isterie antiteroristă și un fel de mașinărie de mișcare perpetuă numită Liquid Karma. Aici, tânărul talent al lui Kelly a fost întâmpinat cu comparații cu Kubrick, în cel mai bun caz, amestecate cu un duș rece (filmul nu a fost apreciat la Festivalul de Film de la Cannes).
Kelly întruchipează acea fantezie de neoprit, de neclintit; în ciuda perfecționismului și raționalității lui Kubrick, cea mai impresionantă calitate a filmelor sale este irealitatea lor ascunsă și iraționalitatea difuză. Și apoi există curajul banal, pasiunea unui pionier. Se pare că Kelly este infectat cu aceleași trăsături, motiv pentru care cariera sa a început rapid să stagneze: după fiecare film, o pauză lungă, mai multe proiecte eșuate, deja 11 ani de vacanțe profesionale. Se pare că la începutul secolului, undeva în industria cinematografică independentă, au început să producă în masă astfel de figuri obraznice cu ambiții profetice - luați-l pe Darren Aronofsky cu „Pi”-ul său sau pe surorile Wachowski cu „Matrix” (și Fincher nu se uita doar la ecran cu „Fight Club”). Totuși, toate au fost reforjate de timp: Aronofsky și-a pierdut ingeniozitatea și îndrăzneala (deși continuă să facă filme de proporții biblice), în timp ce Wachowski sunt mai interesați de conexiunile dintre toate lucrurile, ceea ce le-a transformat filmele și serialele în drame de liceu scumpe și educative (ceva ce au batjocorit în Donnie Darko). Între timp, Kelly a acceptat cu fermitate provocarea timpului și a tăcut timp de un deceniu pentru a-și păstra viziunile, inspirate în mare parte de cinematografia și televiziunea anilor 1950 - aceeași magmă a artei postbelice din care a ieșit tânărul Kubrick.
Jonathan Glaser
Regizorul de videoclipuri muzicale Glazer este probabil unul dintre cei mai apropiați „descendenți” ai lui Kubrick, asemănându-i-se mai ales doar ca nume: în Sub piele (2013), influența maestrului este cel mai vizibilă datorită înrudirii vizuale cu 2002: Odisee spațială; în Naștere (2004), a distribuit-o pe Nicole Kidman din Eyes Wide Shut în rolul principal, continuându-i viața de familie complicată cu povestea unei femei pe care un băiat ciudat o convinge că conține sufletul soțului ei decedat; în debutul său, Sexy Beast, se poate observa un joc revizionist complex cu filmele de jaf cu care a început Kubrick (în special, Crima, 1956). În alte privințe, Glazer este un „moștenitor” spiritual al regizorului, creând lumi originale din orice material și în orice gen, indiferent câte elemente familiare sunt prezente în cadru. Și toate sunt despre acea depășire a limitei, în primul rând dincolo de sine.
Gaspar Noe
Provocator și promotor al transgresiunii, Noé realizează filme care sunt copilul iubirii filmului „2000: Odiseea spațiului” și „Portocala mecanică”: primul împărtășește tonul și paleta de culori ale unui trip cu droguri, în timp ce cel de-al doilea împărtășește ideologia extremului artistic care se acumula în Franța la sfârșitul mileniului. În alegerea „temei”, Noé aderă adesea la maxima lui Greenaway conform căreia filmele ar trebui făcute doar despre dragoste sau moarte. Deși acest lucru poate părea banal pe hârtie, atunci când este experimentat, oferă o experiență unică de fiecare dată. Regizorul franco-argentinian s-a apropiat cel mai mult de Kubrick în abordarea sa spirituală a filmului „Enter the Void”, o relatare la persoana întâi a morții și a tradiției antice de a trăi viața ca și cum ar fi de la zero. El a făcut cea mai explicită declarație de „continuitate” în „Amour”, un film care încearcă să proiecteze „2000: Odiseea spațiului” asupra relațiilor romantice și sexuale. Singura diferență este că sclipirile de poveste de dragoste care îți trec prin fața ochilor nu promit o mare renaștere; mai degrabă, ele afirmă că lucrurile bune se termină uneori prost.
Nicolas Winding Refn
Danezul fanfaron, ale cărui filme, începând cu Drive, au devenit din ce în ce mai fascinante și sufocant de frumoase, seamănă mai mult cu vărul nordic al lui Noé: o fascinație pentru mitologie și violență, o dragoste pentru neon și densitatea semnificativă a corpului în cadru, intrigi mai apropiate de călătorii decât de așa-numita istorie. O recenzie a filmului Bronson, biografia notoriului criminal britanic, sugerează o comparație cu Portocala mecanică: nu doar violență împotriva zidurilor galbene englezești, nu doar un portret al rebeliunii totale și o rimă a creativității și mutilării, ci o încercare de a deschide o cale dincolo de confortul libertății vândute.
Refn – nu se remarcă întotdeauna – este un stilist iscusit, așa că „Bronson” aderă cu adevărat la codul vestimentar vizual evaziv al cinematografiei englezești. În același timp, violența este pentru el o modalitate de a privi nu doar în umanitate (uneori la propriu), ci și în spatele cortinei – în această viață stranie, pe care danezul o explorează în principal prin prisma crimei. S-ar putea spune că, la fel ca Kubrick, Refn este interesat de încăierările spiritului uman. În ultimele sale proiecte, danezul a definit nu doar paleta de culori (sânge și neon), ci și tonul vizual: „Doar Dumnezeu iartă”, „Demonul neon” și „Prea bătrân ca să mori tânăr” sunt filme de serie B aproape impecabile din punct de vedere stilistic, cu un aer antic și fluiditatea imaginilor care se inspiră nu doar din filme și videoclipuri muzicale, ci chiar și din sculptură.
Yorgos Lanthimos
Un caz rar: figura principală a valului bizar grecesc, regizorul filmelor „Dente de câine” și „Homarul”, s-a trezit la coadă pentru Cupa Kubrick după „Favorita”, o dramă satirică și tragică despre Regina Ana. Motivele sunt îndoielnice – cadrele în contralumină, precum în Barry Lyndon, viziunea amplă, echilibrul delicat dintre empatia profundă pentru personaje și observația detașată, caracteristică și lui Kubrick. În același timp, natura paradoxală a gândirii lui Lanthimos, care i-a adus faimă europeană, este o calitate rară, de asemenea, foarte solicitată. Filmografia Grecului este plină de experimente conceptuale, în care situațiile obișnuite sunt îmbogățite cu detalii fantasmagorice, precise ca raze X: un tată își crește copiii în izolare totală, înlocuindu-le adevăratul sens al cuvintelor (de exemplu, a numi un zombi floare); oamenii singuri se trezesc într-un hotel special unde trebuie să-și găsească un partener sau să se transforme într-un animal la alegere; un chirurg neglijent se ciocnește cu voința Doomului. La fel ca Kubrick, Lanthimos nu se limitează doar la studierea caracterului uman și la sondarea convențiilor sociale, ci nu uită nici o altă dimensiune - nu atât cea fantastică, cât cea metafizică. Strălucirea acestei dimensiuni însoțește personajele sale în cele mai banale și macabre situații, amintindu-le de adevărata amploare a voinței umane (fără a-i diminua importanța).
Cel mai important studio de film din Rusia, Mosfilm, a deschis o parte din arhiva sa, care include multe drame, comedii și filme de război bine-cunoscute. Am decis să analizăm filmoteca și să selectăm câteva filme minunate disponibile pentru vizionare online. Aceste filme sunt mai puțin cunoscute, chiar uitate, lipsite de conotații ideologice, revoluționare sau militare și spun predominant povești de zi cu zi. Sperăm că vizionarea acestor filme nu numai că ne va ajuta să ne petrecem weekendurile forțate, dar ne va ajuta și să înțelegem mai bine vremurile, părinții noștri și pe noi înșine.
Pentru a viziona un film online, faceți clic pe titlul său.
„Marele minereu” (1964) Regizor: Vasili Ordinski. După ce află de infidelitatea logodnicei sale, un tânăr merge la muncă într-o mină și „dă țării cărbune”, stabilind recorduri și dând un exemplu de om sovietic eroic. Dar filmul nu este despre viața fericită a celor mai buni muncitori din industrie, ci despre mândrie și dorința unui individ singuratic de a-și dovedi valoarea cu orice preț.
În fiecare zi a Dr. Kalinnikova (1973) Regizor: Viktor Titov Personajul lui Iya Savvina spune povestea renumitului chirurg și traumatolog din Ural, Gavriil Ilizarov, care a câștigat recunoaștere mondială pentru inventarea unei noi metode de fuziune osoasă. Doctorul, considerat șarlatan de către Comitetul Central al Partidului, a devenit faimos după acest film.
„Încăierare în viscol” (1977) Regizor: Alexander Gordon Unul dintre cele mai mari succese de box office sovietice, atrăgând aproape 24 de milioane de telespectatori. Personajul principal, șeful unui proiect de construcție în taigaua nordică (Leonid Markov), se confruntă cu criminali înarmați și căliți (Valentin Gaft și Konstantin Zakharov) care au deturnat un autobuz. Pălăriile de blană vor fi deosebit de nostalgice - au dispărut de mult. De altfel, pălăriile sunt responsabile și pentru unele dintre cele mai flagrante gafe ale filmului.
O comedie de modă veche (1978) Regia: Era Savelyeva, Tatyana Berezantseva Bazat pe piesa cu același nume de Alexei Arbuzov. Povestea de dragoste a doi oameni de vârstă mijlocie – o casieră de circ și medicul șef al unui sanatoriu (Alisa Freindlich și Igor Vladimirov).
Appointment (1980) Regizor: Sergei Kolosov O comedie industrială grotescă, bazată pe piesa lui Alexander Volodin. Andrei Mironov îl interpretează pe directorul blând și inimos al unei instituții, obligat să exercite o judecată aspră.
Prietenul neinvitat (1980) Regizat de Leonid Maryagin, Oleg Tabakov și Oleg Dal (ultimul său rol cinematografic) interpretează doi prieteni, chimiști. Personajul lui Tabakov este narcisist și viclean, în timp ce al lui Dal este modest și conștiincios, el fiind cel care se confruntă cu o alegere morală și etică dificilă: descoperirea sa ar putea ruina cariera soției sale.
Vânătoare de vulpi (1980) Regia: Vadim Abdrashitov. Această dramă socială, bazată pe un scenariu de Alexander Mindadze, a câștigat două premii la Festivalul de Film de la San Remo: pentru regie și pentru cel mai bun actor. Vladimir Gostyukhin l-a interpretat pe Belov, un muncitor căruia îi place vânătoarea sportivă și își consideră viața un model de urmat. Într-o zi, este bătut de adolescenți, iar unul dintre ei ajunge la închisoare. Gândul că ar fi putut ruina viața cuiva îl bântuie pe Belov.
Povestea unui om necunoscut (1980) Regizor: Vytautas Žalakevičius O adaptare cinematografică a povestirii cu același nume de Cehov, cu Alexander Kaidanovsky în rolul principal în rolul unui terorist care se deghizează în servitor în familia unui demnitar pe care plănuiește să-l ucidă și își pierde treptat interesul pentru misiunea sa.
Portretul soției artistului (1981) Regizor: Alexander Pankratov. O poveste de dragoste și depășirea plictiselii căsniciei, bazată pe nuvela lui Yuri Nagibin „Pădurea Berendeev”. Nina, profesoară și soția artistului (Valentina Telichkina), se simte inutilă în timp ce soțul ei (Sergei Shakurov) este ocupat să picteze păsări într-o casă de vacanță. Într-o zi, ea devine interesată de un alt bărbat (Nikita Mikhalkov îl interpretează pe seducător).
Adio (1981) Regizori: Elem Klimov, Larisa Shepitko. O dramă în două părți bazată pe nuvela lui Rasputin „Adio, Matera”, cu o istorie dificilă. Larisa Shepitko a murit după ce a filmat doar prima parte, iar soțul ei, Elem Klimov, a terminat filmul, exprimându-și toată durerea pierderii iubitei sale. Tragedia deja puternică a locuitorilor satului Matera, programat să fie demolat și inundat de o centrală hidroelectrică aflată în construcție, a fost luminată și mai mult de flăcările durerii cauzate de trecutul pierdut și de imposibilitatea unui viitor.
Aleșii (1982) Regizor: Sergei Solovyov Filmat în genul dramei politice, un gen rar pentru Solovyov, acest succes de box office posedă totuși fluiditatea și perspicacitatea psihologică caracteristice lui Solovyov. Cu Leonid Filatov și Tatyana Drubich în rolurile principale, acțiunea are loc în Germania în 1944 și mai târziu în America Latină.
Născut de două ori (1983) Regizor: Arkady Sirenko Acțiunea filmului are loc în primăvara anului 1942. Un soldat rănit (Veaceslav Baranov), în drum spre propria națiune, luptă eroic timp de câteva zile cu un avion nazist. În ciuda intrigii parabolice și a patosului eroic, o mare parte din film este filmată în tradiția dramei domestice, conferind credibilitate evenimentelor și umanizând eroul ideal.
„Cușca canarilor” (1983) Regizor: Pavel Chukhrai Și iată-l din nou pe Veaceslav Baranov, dar într-un rol complet diferit. Personajul său comite un furt fără sens, impus de complici, iar apoi, la gară, în compania unei fete ciudate (Evgenia Dobrovolskaya), se transformă literalmente peste noapte.
Soția negustorului de kerosen (1988) Regizat de Alexander Kaidanovsky. Unul dintre cele trei filme de lung metraj ale lui Kaidanovsky, acest film îl are în distribuție pe Alexander Baluev în rolul unor frați gemeni, foști chirurgi responsabili de moartea unui copil. Acest film grotesc, absurdist și sumbru a câștigat Marele Premiu la Festivalul de Film SF și Horror de la Avoriaz.
Păpușa (1988) Regizor: Isaak Friedberg. Această psihodramă în două părți, premiată la Festivalul Internațional de Film de la Berlin și la Festivalul de Film Sportiv de la Lviv, prezintă latura întunecată a sportului profesionist. Personajul principal, campioana Tanya, se întoarce la o școală obișnuită după o accidentare gravă și își varsă eșecul în carieră asupra colegilor și profesorului. O scenă sugerează o relație intimă dintre un elev și un profesor, adăugând la valoarea șocantă și franchețea filmului, o temă care ieșea la iveală din crăpăturile imperiului sovietic la acea vreme.
Pandemia a cuprins întreaga lume. Țări și orașe, inclusiv Moscova, au intrat în carantină. Evenimente sportive majore sunt anulate, premierele de filme și programul de filmare au fost amânate pe termen nelimitat, școlile, teatrele și cinematografele se închid, iar expozițiile de jocuri precum E3 sunt planificate online. Oamenii au fost trimiși acasă, unde pot viziona filme gratuit pe majoritatea platformelor online. Pare un vis, sau ca jocuri precum shooterul online The Division și simulatorul biologic Plague Inc., care au câștigat brusc popularitate din cauza noului focar de coronavirus. Dar nu. Aceasta nu este ficțiune, ci realitate, iar Kino-Teatr.Ru oferă un top 20 de filme și seriale care pot servi drept ghiduri de supraviețuire.
Vălul pictat (1934)
Actorul Richard Boleslavsky de la Teatrul de Artă din Moscova, care a emigrat în Statele Unite după Primul Război Mondial, a regizat o melodramă din 1934 cu Greta Garbo în rolul Catherinei, care călătorește cu soțul ei, medicul Walter, în îndepărtata China (!), unde holera făcea ravagii la acea vreme. Desigur, în acest caz, dragostea luptă împotriva virusului. Romanul lui William Somerset Maugham, pe care se bazează filmul, a fost adaptat în alte două filme: Vălul pictat, cu Naomi Watts în rol principal, și Al șaptelea păcat, regizat de Ronald Neame și Vincente Minnelli.
Tulpina Andromeda (1971)
În adaptarea romanului science fiction al lui Michael Crichton, realizată de Robert Wise, un grup de oameni de știință (James Olson, Kate Reid, David Wayne și Arthur Hill) încearcă să izoleze un virus mortal sub o presiune extremă a timpului și amenințarea unui război nuclear. Purtătorul infecției extraterestre transmise prin sânge este un satelit militar defect care se prăbușește în orașul Piedmont din Arizona. Pe lângă acest thriller, romanul a fost adaptat și într-un serial de televiziune din 2008 cu Benjamin Bratt și Viola Davis în rolurile principale.
Epidemie (1971)
Într-o continuare inedită a filmului său „Cardiogram”, Roman Załuski povestește epidemia de variolă care a cuprins Wrocław în 1963. Doctorul Adam Rawicz (Tadeusz Borowski), primul care a diagnosticat un pacient cu boala, luptă împotriva acesteia. Dar la început, nimeni nu-l crede, ceea ce duce la consecințe dezastruoase.
Convulsii (1975)
Datorită lui David Cronenberg, dorința sexuală și cruzimea au fost sinonime cu infecția virală încă de la mijlocul anilor 1970. În filmul de groază științifico-fantastic al maestrului, un doctor genial i-a selectat pe locuitorii noului complex rezidențial Starliner, situat pe o insulă, pentru experimentul său sinistru. El plănuia să creeze paraziți ca alternativă la transplanturile de organe, dar viermii săi i-au transformat pe oameni în creaturi vicioase și lascive.
Epidemie (1987)
Parte a trilogiei avangardiste E a lui Lars von Trier, filmul are loc în realitate și ca un „film în film”, avându-i în rolurile principale pe regizorul însuși, Udo Kier, scenariștii Niels Versel și Cles Kastholm Hansen. După ce fișierul scenariului lor a fost șters din computer, Trier și echipa sa trebuie să inventeze o nouă intrigă în cinci zile. Intră în scenă Dr. Mesmer (tot Trier), care lucrează într-o țară nespecificată devastată de o boală mortală. Doctorul pornește într-o cruciadă pentru a-i ajuta pe bolnavi, fără să știe că, de fapt, răspândește infecția din ce în ce mai mult.
12 maimuțe (1995)
Filmul SF clasic al lui Terry Gilliam îl urmărește pe deținutul James Cole (Bruce Willis), care își ispășește o pedeapsă într-o închisoare post-apocaliptică în prima jumătate a secolului XXI. El este trimis înapoi în 1996 pentru a recupera o mostră dintr-un virus care a distrus aproape întreaga populație a planetei, astfel încât să poată fi creat un antidot în viitor. În schimb, nefericitul călător în timp se trezește într-un spital de boli mintale din anii 1990, unde soarta îl aduce împreună cu fiul dement al unui microbiolog proeminent, Geoffrey (Brad Pitt a câștigat un Glob de Aur pentru rolul său). Gilliam a fost inspirat de filmul Runway al lui Chris Marker, iar „12 Monkeys” a devenit punctul de plecare pentru serialul Syfy cu același nume.
Epidemie (1995)
Un film clasic despre dezastre de Wolfgang Petersen, acesta prezintă o imagine sobră a unei situații similare cu evenimentele din 2020. Un grup de oameni de știință condus de Dustin Hoffman trebuie să creeze un ser din sângele unei maimuțe africane infectate, care a declanșat o epidemie în America. Aceștia se confruntă nu doar cu o infecție mortală, ci și cu o armată condusă de un general lacom, interpretat de Morgan Freeman, care ascunde adevărul.
28 de zile mai târziu (2002)
Filmul de groază al lui Danny Boyle îl are în centru pe Jim (Cillian Murphy), care se trezește dintr-o comă lungă (o primire călduroasă pentru Rick din The Walking Dead!) într-un spital din Londra și descoperă că pare a fi singura persoană în viață din oraș, iar un virus terifiant s-a răspândit în toată țara cu o viteză alarmantă, transformând toți cei infectați în monștri carnivori. Epidemia în sine a fost cauzată de extremiști „verzi” care au deschis o cușcă în care se afla un cimpanzeu infectat într-un laborator din Cambridge, unde era testat virusul Fury. Filmul, bazat pe un scenariu de Alex Garland, a câștigat mai multe premii prestigioase și a fost urmat de o continuare, 28 de săptămâni mai târziu, regizată de Juan Carlos Fresnadillo în 2007. În ambele filme, virusul nu a fost niciodată recuperat.
Resident Evil (2002)
Seria de filme regizată de Paul William Scott Anderson, bazată pe seria de jocuri video cult Resident Evil, cuprinde șase episoade, axate pe enigmatica Alice (Milla Jovovich) și lupta ei împotriva celor infectați cu virusul T, care a distrus aproape întreaga populație a planetei, și pe Corporația Umbrella, care a dezvoltat infecția. Filmele prezintă personaje celebre din jocuri, inclusiv Jill Valentine, Claire Redfield și Albert Wesker, precum și monștri infami, inclusiv Nemesis, pe care jucătorii îl vor întâlni în aprilie 2020, odată cu lansarea remake-ului Resident Evil 3. Acțiunea mai multor filme de animație este, de asemenea, plasată în acest univers, iar o repornire a seriei de filme este așteptată în viitorul apropiat.
Raport (2007)
Spaniolii Jaume Balagueró și Paco Plaza au creat un film de groază la scară mică, în genul „found footage”, despre Ángela (Manuela Velasco), gazda emisiunii „În timp ce toată lumea doarme”, care, împreună cu cameramanul Pablo și pompierii, răspunde la un apel de rutină într-o casă obișnuită, unde zgomote ciudate se aud din apartamentul unei femei în vârstă singuratice. Majoritatea persoanelor aflate la apel au fost în cele din urmă mușcate de cei infectați cu „rabie”, iar casa a fost rapid sigilată pentru a preveni răspândirea posibilului virus. Filmul a lansat o franciză care include în prezent patru episoade, iar Hollywood-ul, călărind valul succesului său, a realizat un remake al filmului „Quarantine” cu Jennifer Carpenter în rol principal. În seria de filme spaniole, virusul s-a mutat din casă la o nuntă, iar apoi cei infectați au fost descoperiți pe o navă. Au trecut șase ani de atunci și nu există nicio veste despre locul unde se află virusul „posedat”.
Orbire (2008)
Fernando Meirelles a adaptat pentru film romanul „realistului magic” portughez José Saramago, despre un oraș afectat de „orbire albă”, cu excepția unei femei (Julianne Moore), al cărei soț medic (Mark Ruffalo) și-a pierdut și el vederea. Acum, ea este obligată să se prefacă bolnavă pentru a avea grijă de soțul ei și de sufletele altora într-o lume cufundată în haos.
Transportatori (2009)
Frații Alex și David Pastor au creat un thriller cu Loy Pucci, Chris Pine, Piper Perabo, Emily VanCamp, Christopher Meloni și Kiernan Shipka în rolurile principale. Filmul prezintă patru prieteni care, după ce evadează dintr-un cartier devastat de o epidemie virală terifiantă, descoperă că sunt purtători ai virusului. Tema epidemiei pare să fi devenit o temă definitorie pentru duetul spaniol, deoarece patru ani mai târziu, frații Pastor au lansat filmul „Epidemia”, ale cărui personaje sufereau de agorafobie.
Moartea Neagră (2010)
Autorul britanic Christopher Smith spune o poveste sumbră care se petrece în Anglia anului 1348, în mijlocul ciumei bubonice. În centrul poveștii se află un tânăr călugăr, Osmund (Eddie Redmayne), numit ghid pentru inchizitorul Ulric (Sean Bean) și un grup de războinici ai săi, trimiși de episcop pentru a investiga zvonuri ciudate despre un sat care a scăpat de epidemie. La sosire, îi găsesc pe săteni, care au renunțat la Dumnezeu, dar sunt fericiți și sănătoși, precum și pe misterioasa frumoasă Langiva (Carice van Houten), care se închină zeilor păgâni.
Contagiune (2011)
Drama plină de acțiune a lui Steven Soderbergh se învârte în jurul unui grup de oameni de știință (Marion Cotillard, Laurence Fishburne, Kate Winslet) care încearcă să combată izbucnirea unei boli mortale. Cu toate acestea, epidemia scapă de sub control, iar panica se instalează (în mare parte datorită unui blogger care afișează chipul lui Jude Law), ducând la haosul care cuprinde întreaga lume. Exact la asta suntem martorii acum. Filmul, apropo, a primit laude din partea comunității științifice, care a lăudat autenticitatea celor prezentate pe ecran.
Ultima iubire pe Pământ (2011)
În melodrama lui David Mackenzie, virusul ia o formă neobișnuită. Nu există rabie sau zombi aici; oamenii sunt pur și simplu privați de toate cele cinci simțuri. Mirosul dispare mai întâi, apoi gustul, apoi auzul... Pe acest fundal tragic, se desfășoară povestea de dragoste dintre epidemiologul Susan (Eva Green) și bucătarul Michael (Ewan McGregor), care își dau seama că nu pot trăi unul fără celălalt. Filmul a câștigat premii la trei festivaluri de film, inclusiv la Edinburgh.
Utopia (2013-2014)
Thrillerul britanic puternic, cu tentă acidă, regizat de Dennis Kelly răspunde pe deplin la întrebarea definitorie a deceniului: „Unde este Jessica Hyde?”, care bântuie multe personaje. Acțiunea se învârte în jurul continuării legendarului roman grafic „Experimentele Utopia”, în care un pacient dintr-un spital de psihiatrie povestește catastrofe trecute și viitoare (în principal epidemii virale) care se desfășoară în întreaga lume. Cartea ajunge în mâinile a cinci străini, interpretați de Alexandra Roach, Adeel Akhtar, Nathan Stewart-Jarrett, Oliver Woolford și Fiona O'Shaughnessy (aceeași Jessica Hyde), iar aceștia sunt acum urmăriți de o organizație secretă numită „Rețeaua”, personificată de asasinul asasin detașat și lipsit de emoții Arby (Neil Maskell), care ucide în stilul lui Balabanov. Serialul internațional, premiat cu Emmy, îi mai are în distribuție pe Geraldine James, Paul Ready, Stephen Rea, James Fox, Tom Burke și soția lui Jon Snow, Rose Leslie.
Tulpina (2014-2017)
Acest serial despre vampirism ca epidemie a pornit de la trilogia omonimă de Guillermo Del Toro și Chuck Hogan, care a rulat între 2009 și 2011. Deși regizorul plănuia inițial să creeze un serial, ideea sa a fost abandonată în anii 2000, deoarece televiziunea nu fusese încă cuprinsă de mania vampirilor. Având premiera pe 13 iulie 2014, pe FX, serialul, susținut de showrunner-ul Carlton Cuse, i-a portretizat pe vampiri nu ca pe niște creaturi romantice obosite, ci ca pe niște monștri și ucigași ale căror prime victime sunt cei dragi. Se pare că postul de televiziune a cheltuit 500.000 de dolari pentru crearea diverșilor monștri, dintre care există într-adevăr destui, în ciuda unei anumite melodrame.
Lucrul din mlaștină (2019)
Adaptarea sumbră a lui James Wan a benzilor desenate DC despre omul de știință Alec Holland (Andy Bean) devenit monstru nu a reușit să-și mențină succesul. Serialul, îndrăgit de public și critici deopotrivă, a fost anulat după un sezon din cauza dificultăților financiare. A fost păcat. Ar fi fost interesant de văzut unde aveau să ducă cercetările microbiologului Abby Arcane (Crystal Reed) când s-a întors în orașul ei natal pentru a neutraliza un virus ciudat care transforma mamiferele în plante.
Zona fierbinte (2019)
Regizată de Michael Uppendahl, această adaptare în șase părți a romanului cu același nume al lui Richard Preston se concentrează pe evenimentele din 1989, când virusul Ebola a ajuns în Statele Unite. Locotenentul Nancy Jax (Julianna Margulies), soție și mamă a doi copii, își riscă viața testând o mostră a virusului și îl recrutează pe mentorul ei, expertul în Ebola, Dr. Wade Carter (Liam Cunningham), pentru a-l ajuta să descopere sursa virusului și să prevină o epidemie în Statele Unite.
Epidemie (2019)
Serialul rusesc al lui Pavel Kostomarov despre un virus care a devastat Moscova este bazat pe romanul „Vongozero” al Yanei Wagner. Personajele, interpretate de Kirill Kyaro, Victoria Isakova, Alexander Robak, Maryana Spivak, Yuri Kuznetsov și alții, încearcă să găsească salvarea dincolo de limitele carantinei. Ei cred că pot o lua de la capăt pe o insulă nelocuită din Karelia, dar tot trebuie să ajungă în paradisul dorit, ceea ce nu este ușor.
Multe cântece (și filme) au fost scrise despre dragoste. În onoarea Zilei Îndrăgostiților, ne amintim de 25 de filme clasice, atemporale, despre dragoste, atemporale și durabile de-a lungul anilor și deceniilor.
O capodoperă a cinematografiei mondiale de Charlie Chaplin. Povestea de dragoste a unui vagabond pentru o fată oarbă care plătește flori este una dintre cele mai puternice intrigi din istoria cinematografiei, iar filmul în sine a fost inclus în repetate rânduri pe numeroase liste ale celor mai bune.
Greta Garbo o interpretează pe regina Suediei care se îndrăgostește de ambasadorul Spaniei (John Gilbert). Această melodramă remarcabilă din anii 1930 a fost regizată de Rouben Mamoulian, creatorul și al filmelor Dr. Jekyll, Mr. Hyde și Cleopatrei.
Adaptarea cinematografică a romanului lui Margaret Mitchell, cu Vivien Leigh și Clark Gable în rolurile principale, a câștigat opt premii Oscar și a încasat peste 400 de milioane de dolari în întreaga lume. George Cukor, Sam Wood, Victor Fleming și chiar faimosul scriitor Scott Fitzgerald au colaborat la această melodramă clasică în diferite etape ale dezvoltării sale. De altfel, Errol Flynn, Gary Cooper, Fredric March și Basil Rathbone au fost luați în considerare pentru rolul lui Rhett Butler în locul lui Gable, în timp ce Paulette Goddard și Bette Davis au fost luate în considerare pentru rolul lui Scarlett O'Hara.
O altă poveste de dragoste clasică. Humphrey Bogart și Ingrid Bergman interpretează doi amanți sortiți ruinei, deoarece eroina este căsătorită cu un lider al Rezistenței. Filmul, care a câștigat trei premii Oscar, a fost citat pe scară largă în anii 1940 și a atins statutul de legendă. De altfel, Ronald Reagan (!) și Michelle Morgan au fost luați în considerare pentru rolurile lui Rick și Ilsa în loc de Bogart și Bergman.
Humphrey Bogart și Katharine Hepburn spun povestea de dragoste a unor cupluri de vârstă mijlocie în melodrama de aventuri a lui John Huston, plasată pe fundalul unor frământări istorice. Bogart a câștigat un premiu Oscar pentru rolul său de Charley, căpitanul cargoului. De altfel, John Mills și David Niven au fost luați în considerare pentru rolul său, iar Bette Davis a fost luată în considerare pentru rolul misionarei Rose Sayer, dar aceasta a ezitat prea mult, iar rolul i-a revenit lui Hepburn.
Audrey Hepburn și Gregory Peck… Acest duo de vedete a rămas mult timp întipărit în memoria multor telespectatori, iar povestea de basm a lui Dalton Trumbo, adusă la viață de William Wyler, este considerată pe bună dreptate unul dintre cele mai bune filme din cinematografia mondială. Audrey Hepburn a câștigat pe bună dreptate un Oscar și un Glob de Aur pentru rolul său de prințesă fugară, dar intriga nu era nimic nou nici măcar la acea vreme. O intrigă similară fusese deja folosită de Alfred Hitchcock în comedia din 1928 Champagne. Și mai târziu, în 1934, Frank Capra a realizat magnificul film S-a întâmplat într-o noapte, cu Clark Gable în rolul jurnalistului și Claudette Colbert în rolul fiicei care fuge de tatăl ei milionar. Capra intenționa, de asemenea, să regizeze Vacanța la Roma cu Cary Grant și Elizabeth Taylor, dar a renunțat când a aflat că scenariul fusese scris de Trumbo, care se afla atunci pe lista neagră a lui McCarthy. Wyler, care l-a înlocuit, s-a gândit să o distribuie pe Jean Simmons în rolul principal, dar după un test de ecranizare cu Hepburn, a distribuit-o pe aspiranta la film, care avea să devină mai târziu un simbol al epocii.
Filmul preferat al bunicilor noștri despre dragostea dintre o profesoară de la o școală pentru tineri muncitori (Nina Ivanova) și elevul ei (Nikolai Rybnikov). Regizat de Marlen Khutsiev și Felix Mironer, prezintă cântece memorabile de Fatyanov și Mokrousov și o distribuție secundară superbă, inclusiv Valentina Pugacheva, Gennady Yukhtin, Yuri Belov și alții.
Un alt film de neuitat din anii 1950 cu Nikolai Rybnikov în rol principal. De data aceasta, personajul său este un instalator de zgârie-nori experimentat care se îndrăgostește de colega sa Katya (Inna Makarova). Melodia lui Rodion Șcedrin „Nu suntem fochari, nu suntem dulgheri” a devenit nu doar cântecul emblematic al filmului lui Alexander Zarkhi, ci și un hit al erei Dezghețului. Vizionați online
Capodopera lui Billy Wilder, cu Jack Lemmon și Shirley MacLaine în rolurile principale, a câștigat cinci premii Oscar. Din păcate, nici Lemmon, nici MacLaine nu au câștigat râvnitele premii Oscar pentru acest film, chiar dacă interpretările lor magistrale au stat la baza intrigii. Marilyn Monroe merită o mențiune în această comedie - era nerăbdătoare să lucreze din nou cu Wilder, dar nu a obținut rolul.
Nadezhda Rumyantseva și Nikolai Rybnikov, care au jucat în comedia populară a lui Yuri Chulyukin, au devenit unul dintre cele mai memorabile cupluri din cinematografia sovietică. În film mai joacă Liusyena Ovchinnikova, Inna Makarova, Svetlana Druzhinina, Anatoly Adoskin, Mikhail Pugovkin, Roman Filippov și alții, în timp ce cântecele populare „Khoroshie Devchata” și „Stary Klen” au fost scrise de poetul Mihail Matusovsky și compozitoarea Alexandra Pakhmutova. De altfel, distribuția ar fi putut fi complet diferită și aici. Natalya Kustinskaya a fost luată în considerare pentru rolul Tosiei, iar Vyacheslav Shalevich urma să-l joace pe Ilya, dar rolul i-a revenit în cele din urmă lui Rybnikov, care a slăbit 20 de kilograme pentru acest rol (așadar, Robert De Niro și Christian Bale nu au fost singurii actori capabili de astfel de performanțe). Valentina Talyzina și Margarita Krinitsyna au fost luate în considerare pentru rolul Nadiei în locul Makarovei. Filmul a câștigat premii la Edinburgh și Cannes, iar Rumyantseva a primit premiul pentru cea mai bună actriță la Festivalul de Film de la Mar del Plata (Argentina). Vizionați online
O adaptare cinematografică a povestirii scurte „Trei plopi pe Șabolovka” de Alexander Borshagovsky, regizată de Tatyana Lioznova, Oleg Efremov și Tatyana Doronina. O poveste de dragoste tristă între un taximetrist și un pasager, care se petrece în Moscova anilor 1960. Vizionați online.
O poveste de dragoste istorică de Vladimir Motyl despre soțiile decembriștilor care și-au urmat soții la muncă siberiană. Filmul prezintă o distribuție remarcabilă, inclusiv Irina Kupchenko, Alexei Batalov, Natalya Bondarchuk, Oleg Strizhenov, Ewa Shikulska, Igor Kostolevsky, Alexander Porokhovshchikov, Oleg Yankovsky, Vasily Livanov, Innokenty Smoktunovsky, Vladislav Strzhelchik și Igor Dmitriev. Vizionați online
Comedia populară a lui Eldar Ryazanov și Emil Braginsky a fost mult timp condensată în citate. Datorită regiei talentate, umorului discret și interpretărilor superbe ale Alisei Freindlich, Andrey Myagkov și Liyei Akhedzhakova, filmul rămâne captivant. Cu toate acestea, schimbările în distribuție au fost inevitabile în timpul preproducției. Oleg Basilashvili și-a imaginat inițial rolul lui Novoseltsev, dar în cele din urmă a recunoscut că Samokhvalov era mai potrivit. Rimma Markova și Nina Agapova au dat probă pentru rolul Șurochka, iar Alisa Freindlich a fost distribuită în rolul Mymrei încă de la început, datorită persistenței lui Ryazanov. De asemenea, merită menționat faptul că Eldar Aleksandrovich a scris și versurile cântecului „Natura nu are vreme rea”. Filmul ocupă locul 19 în ceea ce privește vizualizările printre filmele rusești din istoria distribuției de filme sovietice și a fost, de asemenea, recunoscut drept cel mai bun film într-un sondaj realizat de revista „Soviet Screen” în 1979. Vizionați online
Un alt film rusesc de neuitat cu Alexei Batalov (alias Gosha, alias Zhora). Cel mai notabil fapt din istoria acestui film este, desigur, câștigarea premiului Oscar pentru cel mai bun film străin. Melodrama lui Vladimir Menshov, cu Vera Alentova în rol principal, este al doilea cel mai vizionat film rusesc din istoria distribuției cinematografiei sovietice și a fost votat cel mai bun film într-un sondaj din 1981 realizat de revista Soviet Screen. De altfel, Margarita Terekhova sau Irina Kupchenko au fost luate în considerare pentru rolul Katerinei, iar regizorul i-a dat la probă pe Vitaly Solomin și Leonid Dyachkov pentru rolul mecanicului Gosha, în vârstă de patruzeci de ani, ba chiar s-a gândit să joace el însuși rolul. Vizionați online
Adaptarea cinematografică a nuvelei „Roman și Yulka” de Galina Șcerbakova, despre dragostea a doi școlari, a fost un succes răsunător la vremea sa. Tatyana Aksyuta și Nikita Mikhailovsky au interpretat Romeo și Julieta din zilele noastre, în ciuda faptului că personajele lor au primit nume diferite la insistențele superiorilor lor. Filmul lui Ilya Frez a câștigat premii la Vilnius și Tomar (Portugalia) și a fost, de asemenea, desemnat cel mai bun film al anului 1981 de revista Sovetsky Ekran. Urmărind acest film vesel, este imposibil să nu-ți amintești de soarta tragică a lui Nikita Mikhailovsky. Vizionați online
Piesa lui Mihail Roșchin, pe care se bazează filmul lui Georgi Natanson, a fost incredibil de populară în anii 1970. A fost pusă în scenă la Teatrul de Artă din Moscova și la Sovremennik, iar regia a fost realizată de Tovstonogov și Viktyuk. La mijlocul anilor 1980, a venit momentul pentru o versiune cinematografică, în care a jucat-o pentru prima dată pe Marina Zudina, iar co-starul ei a fost Nikolai Stotsky, care a jucat ulterior în „Stângaciul” lui Ovcharov și în „Castelul” lui Balabanov. Vizionați online
Unul dintre cele mai de succes filme cu Patrick Swayze în rolul principal, o „fantomă” îndrăgită a cinematografiei și a publicului. Filmul aparent modest al lui Emile Ardolino despre tineri îndrăgostiți implicați cu pasiune în dans spune aceeași „poveste tristă”, iar melodia care dă titlul filmului, „(I've Had) The Time of My Life”, a câștigat atât un premiu Oscar, cât și un Glob de Aur.
Julia Roberts a câștigat un Glob de Aur pentru rolul său de prostituată Vivien în melodrama remarcabilă și ironică a lui Garry Marshall și aproape a câștigat un Oscar, dar a fost învinsă de Kathy Bates, care a jucat-o pe inegalabila Misery. Rolul ei ar fi putut cu ușurință să-i revină lui Molly Ringwald sau lui Meg Ryan.
Povestea emblematică a lui Tim Burton despre un monstru Frankenstein din zilele noastre, interpretat de Johnny Depp. Personajul său are mâini terifiante, ca niște foarfece, dar este bun și naiv în suflet. Belle-ul său este Kim, interpretată de Winona Ryder, iar antagonistul său este Anthony Michael Hall.
Povestea de dragoste la distanță dintre Tom Hanks și Meg Ryan a devenit deja un clasic. Cei doi actori aveau să apară ulterior împreună în filmul Norei Ephron, „Ai mail”. Păcat că Ephron a murit în 2012. Cine știe, poate cei trei s-ar fi reunit din nou pentru a încânta publicul cu o altă frumoasă poveste de dragoste.
Imponentul film al lui James Cameron a câștigat un număr impresionant de 11 premii Oscar. De altfel, i-am fi putut vedea pe Matthew McConaughey și Gwyneth Paltrow în loc de DiCaprio și Winslet. Christian Bale și Macaulay Culkin au dat și ei probă pentru rolul lui Jack. Iar dezastrul în sine a fost în repetate rânduri subiectul unui interes intens în rândul cineaștilor. Versiunea din 1996 i-a avut pe Peter Gallagher și Catherine Zeta-Jones pe infama navă, dar în 1953, Jean Negulesco a realizat un film decent despre dezastre, Titanic, cu Barbara Stanwyck, Robert Wagner și Thelma Ritter în rolurile principale.
Melodrama lui Mihail Agranovich și Oleg Yankovsky, bazată pe piesa Nadezhda Ptushkina „În timp ce murea”. Un film dulce, de modă veche, în care Yankovsky joacă genial alături de Irina Kupchenko, Ekaterina Vasilieva și Natalia Șciukina.
Comedia de Crăciun populară a lui Richard Curtis, care a atins statutul de cult, prezintă multiple intrigi intersectate care explorează diversele manifestări ale iubirii. Această abordare regizorială se reflectă în titlul original al filmului, care face parte din sintagma „Love Actually Is All Around” (Dragostea de fapt este peste tot). În mod notabil, trei intrigi au fost eliminate în timpul montajului final, iar unul dintre roluri i-a avut în distribuție pe actorii Bill Nighy și Martin Freeman, care ulterior i-au interpretat pe piratul Davy Jones și pe hobbitul Bilbo Baggins.
Și, în sfârșit, ultimul pe lista noastră este filmul lui Pavel Chukhrai despre o fată șchioapă care se îndrăgostește de șoferul personal al tatălui ei general. Această poveste de dragoste tragică, care are loc în anii 1960, cu Igor Petrenko, Alena Babenko și Bohdan Stupka în rolurile principale, a câștigat toate premiile posibile, de la Kinotavr la premiul Nika.
Pe 1 ianuarie, în cinematografele rusești se lansează continuarea blockbusterului SF „Attraction”. În acest film, extratereștrii încearcă din nou să invadeze Moscova. Cinematograful online Wink a lansat un proiect special dedicat realizării filmului. „Attraction”, la fel ca predecesorul său, este plin de scene generate pe computer. Arman Yakhin, CEO-ul studioului de efecte vizuale responsabil pentru grafica CG din „Attraction”, a vorbit în exclusivitate cu Kino-Teatr.ru despre crearea efectelor filmului.
Supraviețuind contactului cu extratereștrii, Yulia (Irina Starshenbaum) se află acum sub stricta supraveghere a agențiilor de informații rusești. Ea este supusă unor controale și teste medicale regulate, în timp ce oamenii de știință încearcă să afle cât mai multe despre originile vieții extraterestre și superputerile pe care le-a dobândit. Dar Yulia este din nou contactată de extraterestrul Khariton (Rinal Mukhametov). Acesta o informează despre planul său amabil de a o găsi pe Yulia și de a o elimina, considerând-o un individ deosebit de periculos, care ar putea perturba armonia universului. Extratereștrii folosesc metode neconvenționale de eliminare: inteligența artificială preia controlul asupra mass-media și a rețelelor sociale și îi convinge pe moscoviți că Yulia trebuie capturată imediat.
Efectele vizuale pentru „Invasion” au devenit mai ample: în timp ce primul film a avut loc într-un cartier separat din Moscova, numit Chertanovo, continuarea prezintă întregul oraș. Pentru film, creatorii de efecte speciale de la studioul Main Road Post au recreat Moscova în detalii meticuloase folosind grafică pe computer.
„Am folosit un generator grafic din Moscova, care oferă o randare arhitecturală sofisticată și se bazează pe o hartă reală a capitalei. Apoi am adăugat manual mai multe clădiri «eroice» - de exemplu, am creat un zgârie-nori separat pe malul Kotelnicheskaya și zgârie-norii din orașul Moscova. Suntem deosebit de mândri de scena în care Artiom (Alexander Petrov) sare în stradă într-un costum de luptă exotic. Întregul cadru general cu atacul său asupra elicopterului a fost creat în întregime folosind CG: Moscova, oamenii, taxiul - totul este un elicopter CG, un personaj CG, un oraș CG, un Afimall CG”, explică Arman Yakhin.
La sfârșitul filmului, orașul este aproape complet scufundat. Potrivit creatorilor, recrearea inundației în fiecare detaliu a fost extrem de dificilă: „A fost o adevărată provocare. Nu am simulat niciodată apa la o asemenea scară și nu cred că cineva din țara noastră a făcut-o. Am petrecut mult timp imaginându-ne cum ar putea arăta o Moscovă inundată. În realitate, chiar și în cea mai curată apă, după câțiva metri nu mai poți vedea nimic. Dar am umplut scenele cu o cantitate imensă de detalii pentru a le face să pară convingătoare: gunoaie zburând, copaci, containere de gunoi și mașini în fundal care se învârt în apă. Toate acestea trebuiau prezentate realist, iar acesta a fost cel mai dificil lucru, un adevărat «kung fu», dacă vreți. O singură greșeală, și spectatorul poate ieși din acțiune, pierzându-și încrederea în film.”.
Într-o scenă din „Invazie”, apa învăluie personajele principale atât de sus, cât și de jos. Pentru a pune în scenă acest lucru, echipa de filmare a călătorit în Ungaria pentru a folosi o piscină special construită pe acoperiș. Aceeași locație a fost folosită de regizorul Denis Villeneuve în timpul filmărilor pentru filmul său „Blade Runner 2049”.
„Este o poveste complet animată; nu s-a filmat nimic, cu excepția scenelor în care oamenii se îneacă. A fost construit un platou imens și totul a fost filmat în Ungaria, pe un acoperiș. Există acolo o piscină mare specială, în care valurile sunt generate de hidranți. Platoul a fost suspendat de o macara uriașă, care s-a mișcat sub conducerea directorului de imagine Vladimir Opelyants. Studioul nostru a procesat apoi scena și a adăugat efecte grafice.”.
Una dintre cele mai izbitoare scene din „Attraction” a fost prăbușirea navei extraterestre „Sol” în Chertanovo. În „Invasion”, apare o altă navă, numită „Ra”. Deși designul său este în mod clar bazat pe predecesoarea sa, diferențele dintre ele sunt palpabile încă de la prima sa apariție pe ecran.
„Am presupus că Sol din primul film era o navă de cercetare, mică și pașnică în scopul ei. Ra, însă, este o mașină de război. Am încercat să ne asigurăm că istoria sa de luptă era vizibilă: am adăugat zgârieturi și lovituri pe suprafața sa. În film, personajele menționează că este o navă cu un «protocol de corecție» și am vrut ca publicul să simtă că exact așa stau lucrurile.”.
„Nu am venit imediat cu designul Ra. A fost sugerat de artistul nostru, Maxim Revin. Odată ce am început să compilăm lucrările sale în grafică 3D, ne-am dat seama că avea niște nuanțe complexe. Mai întâi, trebuia să înțelegem cum se mișcau inelele din jurul navei, iar apoi a urmat munca pur inginerească: ce se întâmplă dacă este așa? Și dacă inelele se rotesc, vor interfera cu vreunul dintre lobi? Și aceasta este cea mai interesantă parte a lucrării, când întreaga echipă jonglează cu idei și opinii”, spune Arman Yakhin.
