Искуство

В Государственном Русском музее открылась грандиозная выставка «Великая», призванная продемонстрировать эволюцию и многогранность образа женщины в отечественном художественном пространстве.

Об особенностях этой масштабной экспозиции, развернувшейся в залах Михайловского дворца до 11 января 2027 года, рассказывает санкт-петербургское интернет-издание «Фонтанка.ру». Автором общей концепции и идеи проекта стала генеральный директор учреждения Алла Манилова, а за сложное архитектурное оформление и дизайн отвечало известное бюро Planet9. Организаторы намеренно сузили необъятную тему до хронологических рамок Российской империи, полностью исключив из повествования советский период и современность, что превратило выставку в своеобразное живописное «убежище» от повседневных забот. На входе посетителей встречает знаменитая «Неизвестная» Ивана Крамского из Третьяковской галереи — кураторы характеризуют её как истинную «русскую Джоконду», чья героиня «вызывающе анонимна», но при этом в самом полотне скрыта «глубокая и сложная личностная характеристика».

Экспозиция выстроена вокруг традиционных представлений о женственности, которую руководство музея позиционирует как изначальное качество, характеризующее так называемый «слабый пол». Центральные залы заполнены монументальными ростовыми изображениями, где соседствуют реальные исторические личности, полулегендарные персонажи вроде «Княжны Таракановой» Константина Флавицкого и обобщенные аллегории — например, мраморная скульптура «Девушка с зеркалом» Константина Климченко, чья суть сведена к формуле «любование женской красотой». Отдельный глубокий раздел «Хозяйка великого дворца» целиком посвящен великой княгине Елене Павловне, которую император Николай I уважительно именовал «учёным нашей семьи», а современники описывали как принцессу «в духе Екатерины Великой». В зале, посвященном театральным артисткам, ключевое место занимает реалистичный портрет Полины Стрепетовой кисти Ильи Репина, где великая актриса запечатлена «без макияжа» — как человек, отдающий все силы своему изнурительному призванию.

Особый зрительский интерес вызывает камерный сектор «Плоды просвещения», повествующий о развитии женского образования в империи через призму знаменитого цикла портретов «смолянок» Дмитрия Левицкого, включая изящную арфистку Глафиру Алымову. Моральные идеалы закрытых учебных заведений той эпохи наглядно иллюстрируют дидактические картины Алексея Бельского, зафиксировавшие строгие каноны, формировавшие «добронравие»:

• «Не лги»;
• «Не вреди никакому животному и не озлобляй его»;
• «Не будь никогда праздна»;
• «Не делай зла и не досаждай никому».

Финальным аккордом выставочного сторителлинга стал раздел «Великие миссии», объединивший образы матери (полотно Кузьмы Петрова-Водкина), творца (знаменитый портрет Анны Ахматовой работы Натана Альтмана) и воздушной стихии (плакат Валентина Серова с Анной Павловой). Критики отмечают, что проект во многом транслирует идеализированный «мужской взгляд» художников, где «Женщина» — это «не просто гендерное представление», а сама концепция сводится к «поклонению Женщине как таковой, вне её зависимости от социальной позиции». Авторы провозглашают, что «Великая» не означает «буквальную принадлежность к царскому роду», стремясь воспеть «природные» добродетели — от красоты до милосердия и чадолюбия, хотя эти образы порой оказываются бесконечно далеки от реального жизненного опыта современных женщин.

Главный московский музей национального искусства празднует свой 170-летний юбилей, демонстрируя преемственность культурных традиций и уникальную историю своего создания.

Об эволюции знаменитой Третьяковской галереи и жизненном пути ее основателя Павла Третьякова подробно рассказывает культурно-просветительское издание «Афиша Daily». Рожденные в Замоскворечье братья Павел и Сергей Третьяковы приумножили семейное наследство благодаря развитию Новой Костромской льняной мануфактуры и торговли, превратившись в крупных предпринимателей. Уже в 27 лет, перед отправкой за рубеж, Павел Михайлович составил первое духовное завещание, в котором задекларировал цель создать за счет собственных заработанных средств общедоступный музей, способный принести «многим пользу и всем удовольствие».

Эпоха реформ и бесконечная экспансия

Становление галереи пришлось на эпоху великих реформ Александра II, когда идеи гласности и гражданского долга побуждали меценатов служить обществу. Третьяков относился к коллекционированию как к стратегическому проекту: он тратил большую часть доходов на живопись и порой приобретал полотна, которые не нравились ему лично, но отражали важный этап в развитии искусства. Изначально экспозиция занимала лишь несколько комнат особняка в Лаврушинском переулке, но стремительный рост фондов потребовал перманентной перестройки здания. Двухэтажная пристройка со стеклянной крышей появилась в 1872–1874 годах, а последующие расширения площади за счет сада производились в 1882, 1885 и 1892 годах. Архитектурная экспансия продолжилась в советские годы и в период масштабной реконструкции конца ХХ века, а сегодня музей активно открывает новые филиалы в Самаре, Калининграде и Владивостоке. Примечательно, что знаменитый фасад в неорусском стиле по проекту Виктора Васнецова был закончен в 1904 году, поэтому сам основатель его никогда не видел.

Борьба с цензурой и наследие братьев

Малоизвестным фактом является то, что изначально в залах демонстрировались и шедевры европейских мастеров из коллекции Сергея Третьякова, включая работы Жака-Луи Давида и Эжена Делакруа, которые в 1925 году были перераспределены между ГМИИ и Эрмитажем. Кроме того, создателю музея приходилось регулярно противостоять жесткой цензуре со стороны властей и Священного синода. В особняке в Лаврушинском переулке укрывались полотна, шокировавшие консервативную публику и запрещенные к показу: «Сельский крестный ход на Пасхе» Василия Перова и «Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года» Ильи Репина. Картина Николая Ге «Что есть истина? (Христос и Пилат)» была куплена Третьяковым после личного письма Льва Толстого, возмутившегося: «Как же вы приобретаете и собираете художественную галерею, а упустили такую жемчужину?». Чтобы обойти запреты на более поздние работы Ге, их вешали в залах, но закрывали черной тканью. Основатель музея скончался 4 (16) декабря 1898 года прямо в своем рабочем кабинете, оставив родственникам легендарные последние слова: «Берегите галерею!».

Ключевые вехи в истории Третьяковской галереи

Исторический путь главного музея русского искусства включает следующие важные факты:

• Ранний план: Проект и устав будущего музея Павел Третьяков детально прописал в своем завещании в возрасте 27 лет.
• Архитектурный рост: Первые специализированные залы со стеклянной крышей были возведены в 1872–1874 годах, после чего здание перестраивалось почти каждые десять лет.
• Васнецовский фасад: Знаменитый внешний облик здания в неорусском стиле был оформлен по эскизам Виктора Васнецова уже после смерти основателя, в 1904 году.
• Ажиотаж ХХ века: Последняя крупная реконструкция Лаврушинского особняка заняла 10 лет, а открытие обновленных залов в 1995 году вызвало колоссальный наплыв посетителей.
• Разделение коллекций: Французская живопись из собрания Сергея Третьякова была изъята из фондов галереи в 1925 году и передана в другие крупные музеи страны, впервые вернувшись на «гастроли» в Москву только сейчас.

Недавний случай с выигрышем картины Пабло Пикассо в лотерею вновь спровоцировал бурные дискуссии о ценности и эстетике современного искусства.

О том, какие шедевры сегодня возглавляют мировые рейтинги и что именно формирует их баснословную стоимость, рассуждает издание Science Mail.ru. Авторы отмечают, что у рядового зрителя часто возникает резонный вопрос: «За что тут, собственно, платить?», когда речь заходит о работах модернистов, чьи полотна оцениваются в сотни миллионов долларов.

Рекордсмены арт-рынка

Мировой рекорд на сегодняшний день удерживает полотно Леонардо да Винчи «Спаситель мира», реализованное за 450,3 млн долларов. Однако основную часть «клуба миллиардеров» составляют мастера XX века. Их работы рассматриваются коллекционерами как надежный способ вложения капитала, который почти не обесценивается. К наиболее значимым и дорогим лотам современности относятся:

1. Виллем де Кунинг, «Обмен» ($300 млн) — полотно, ознаменовавшее переход художника к абстрактным городским пейзажам.

2. Густав Климт, «Портрет Элизабет Ледерер» ($236,4 млн) — работа, в которой мастер отошел от привычного «золотого» стиля в пользу скрытого психологизма.

3. Марк Ротко, «Фиолетовое, зеленое, красное» ($186 млн) — классика абстрактного экспрессионизма, фокусирующаяся на «эмоциональной стороне цвета».

4. Пабло Пикассо, «Алжирские женщины (Версия «О»)» ($179,4 млн) — кубистическая интерпретация классического восточного сюжета.

5. Поль Сезанн, «Гора Сент-Виктуар» ($137 млн) — пейзаж, демонстрирующий путь художника к упрощению и геометризации форм.

Секреты ценообразования

Высокая стоимость произведений объясняется не только громким именем автора. Эксперты подчеркивают, что ключевую роль играет «значимость для истории искусства, редкость и конкуренция коллекционеров на аукционах». Каждая из этих картин зафиксировала переломный момент в развитии живописи. Например, в работах де Кунинга ценятся «быстрые, жестовые движения кисти», создающие ощущение порыва чувств, а у Ротко — отсутствие мелких деталей, которое «словно приглашает зрителя к разговору».

Помимо новаторства, важен провенанс и принадлежность к знаковым сериям. Так, версия «О» Пикассо стала самой известной в серии из 15 полотен, где художник вступает в диалог с прошлым, перерабатывая образы Эжена Делакруа. Совокупность этих факторов превращает холст и краски в уникальный актив, цена которого продолжает расти десятилетие за десятилетием.

Топ-менеджмент телерадиокомпании Rai информирует о дерзком ограблении частного музея фонда Маньяни-Рокка в итальянской провинции Парма, в ходе которого были украдены полотна великих мастеров.

Инцидент произошел в ночь на 23 марта в области Эмилия-Романья. Злоумышленники сосредоточили свое внимание на зале французской живописи, расположенном на верхнем этаже здания, и сумели вынести работы Пьера Огюста Ренуара, Поля Сезанна и Анри Матисса.

Детали молниеносного налета

По сообщениям газеты Corriere della Sera, преступная операция была спланирована с предельной точностью. Группа лиц в масках взломала входную дверь и провела внутри музея рекордно короткое время. Эксперты отмечают, что ограбление заняло менее трех минут. Вероятно, грабители рассчитывали на более внушительный улов, однако сработавшая система сигнализации заставила их спешно ретироваться с места преступления.

Список утраченных шедевров

Несмотря на оперативную реакцию охраны, музей лишился трех знаковых произведений, суммарная стоимость которых исчисляется миллионами евро. Из коллекции исчезли:

• «Рыбы» Пьера Огюста Ренуара (1917 год);
• «Натюрморт с вишнями» Поля Сезанна (1890 год);
• «Одалиска на террасе» Анри Матисса (1922 год).

Кризис безопасности в европейских музеях

Нынешнее похищение в Италии дополняет тревожную статистику участившихся атак на культурные объекты Европы. Напомним, что 19 октября 2025 года беспрецедентному ограблению подвергся парижский Лувр. Тогда преступники похитили ювелирные изделия, украшенные тысячами драгоценных камней, на сумму 88 млн евро. Тот инцидент привел к громким кадровым перестановкам: директор Лувра Лоранс Де Кар ушла в отставку, а ее место занял экс-руководитель Версаля Кристоф Лерибо.

В Нью-Йорке впервые на аукционе была продана картина, созданная человекоподобным роботом. Портрет английского математика Алана Тьюринга под названием «AI God.

Портрет Алана Тьюринга» ушел с молотка на аукционе Sotheby’s за 1,32 миллиона долларов, сообщает RG со ссылкой на аукционный дом. Картина значительно превысила предполагавшуюся цену в диапазоне от 120 000 до 180 000 долларов, привлекая внимание 27 ставок.

Картину создал робот-художник Ai-Da, разработанный за два года командой программистов, инженеров и специалистов по искусству. Ai-Da, названный в честь Ады Лавлейс, считается одним из самых совершенных гуманоидных роботов и может генерировать идеи через диалоги со студией. Идея создания портрета Тьюринга возникла в ходе дискуссии о роли ИИ во благо, и робот самостоятельно выбрал стиль, цвет и текстуру, создав изображение на основе фотографии Тьюринга.

Аукционная запись подчеркивает важность этого события, которое, как отметили в Sotheby’s, символизирует новый этап взаимодействия между искусственным интеллектом и мировым рынком искусства. Тьюринг, кстати, одним из первых ученых в 1950-х годах поднял вопросы о возможностях искусственного интеллекта, что добавляет дополнительную символичность к этому портрету, созданному роботом.

Человека ничто подменить не может.

Музыкальный продюсер Иосиф Пригожин поделился мнением о современных песнях в интервью радиостанции «Говорит Москва». Он рассуждал о произведениях, написанных искусственным интеллектом — нейросетями.

«Как можно заменить настоящий секс ненастоящим? Музыка — это тактильные ощущения, состояние души, гармония», — высказался он.

Пригожин сказал, что не возражает против присутствия искусственного интеллекта в творчестве. Однако важно, чтобы он только помогал человеку, а не подменял его.

А сейчас многие артисты прибегают к подмене — им пишет песни нейросеть. И потому много шлака вместо творчества.

«Сейчас выходит более тысячи релизов, сотни тысяч. Количество шлака немереное. Всё практически одинаковое», — считает продюсер.

Кстати, союз за права артистов на Западе создал петицию против использования искусственного интеллекта в музыке, её подписали Билли Айлиш, Ники Минаж, Кэти Перри и другие исполнители.

Читать в источнике

Алексей Филатов представил свои работы в залах Приморского отделения Союза художников России.

28 августа в залах Приморского отделения Союза художников России состоялось открытие персональной выставки Алексея Филатова «Когда я чувствую» (18+), сообщает PRIMPRESS.

В экспозиции представлены работы, созданные более десятилетия назад, а потому ее вполне можно считать ретроспективной. Работы объединены в циклы, связанные с определенными чувствами. Так, в одном из залов можно увидеть работы, в которых автор чувствует любовь. В трех других залах представлены страх, радость и боль.

Художник через свои работы делится со зрителями самым сокровенным – пережитым опытом, который в разное время вызывал у него разные чувства. Он воплощал в форму и цвет свои переживания и полученный в результате него опыт. В одних случаях мы видим реалистические образы, в других – фантазийные.

Решив поговорить о чувствах, Алексей Филатов как бы вырывает потенциального зрителя из контекста обыденности, напоминает о важности переживаний и о чувственной природе каждого из нас. При этом он отдает себе отчет в том, что обозначенный спектр чувств каждым отдельно взятым человеком переживается по-разному. И он понимает, что любовь, страх, боль и радость каждый человек переживает по-разному.

Выставка будет работать до 21 августа.

Читать в источнике